我遇到的大多數人似乎都認為 的確定方法是先使和弦，然後與和聲音符“混在一起”，直到找到理想的音符序列，即“旋律”。
另一方面，我通常已經在腦海中有了一些旋律，因此我嘗試為其找到可以接受的和聲。但是，其他人通常會拒絕我，並堅持使用上述方法（和弦優先）。
是否在聽到奇怪的旋律之後尋找和弦？我認為這很自然，因為很多人都會對現有音樂進行處理，甚至在音樂理論考試中也經過了測試。
我認為首先“聽到”一個旋律然後確定合適的和弦結構是許多詞曲作者所使用的方法。
這些事情沒有“規則書”。一些非常著名的作家首先編曲音樂，然後找到歌詞，有些完全寫了歌詞，然後編成伴奏。
與器樂作品相同。
有時候，創建一個和弦序列然後圍繞它進行旋律會更容易，但是通常情況下，您可以先創建一個旋律，然後找出適合該旋律的和弦。
音樂讓我著迷的是沒有任何“必須做”的作曲或演奏方法。當時對您有用的是正確的方法。
對我來說，我幾乎總是總是先寫旋律線，因為我經常在跑步，在健身房或在健身房裡寫這些旋律線駕駛。轉錄或錄製它們後，我便會確定合適的方法，如果在此過程中發現“更好”的聲音，有時會修改旋律線。
我不是我的生命，所以我不明白為什麼人們在寫音樂時會因為旋律而使您失望。我認為音樂可以通過多種方式創作，而最好的音樂來自真正的“靈感之光”。如果對您有用的方法是先想像旋律，然後再堅持下去！
順便說一句，旋律->音階->和弦可能是解決之道。
對我來說：
但是，我認為我採用“旋律優先方法”的作品似乎更有趣，更新鮮且更受好評。
我真的不在乎人們會怎麼說我的方法，或者他們是否想讓我失望。這是我的音樂（作為過程和最後的產物/效果）
寫詩時，您首先想到的是單詞還是格律和韻律結構？
嘗試強制執行任何特定的命令對我來說很奇怪。作曲是一個沒有固有固定順序的漸進過程。
如果您嘗試分解巴赫創作音樂作品的方式，顯然他是從旋律片段即主題開始的。然後經歷了多次
Motif-> counterpart->和諧化-> counterpart-> ...
的過程，通常將主題和其他主題再次基於主題。自然地，一個好的作曲家對這些技術非常精通，以至於創作過程變得十分有機，一個人無法再明確地區分各個步驟。但是，當您處於某種技能水平時，可能會有越來越少的方法使您陷入困境。但是，當然，更艱鉅的挑戰可能會導致更有趣的解決方案。
是否有可能您沒有按照自己的想法去做，而真的做在聽到旋律時卻想到了和弦，而只是在潛意識裡？
所以我的猜測是肯定的，這很可能與眾不同。
我同意其他人的觀點，我認為這並不罕見。
如果您所說的大多數人都認為是這樣，這似乎是這樣的。但是：在評論中，您說這是“老師”這樣說。也許有麻煩：老師（大多是）會獲得音樂學位，不是嗎？而且，學術音樂“機構”（需要一個更好的詞）（根據我與那些教過這些東西而不是自己學習的人的經驗）似乎集中在一種相當機靈的方法上。
長話短說：從學術上講，您從“結構”開始，從“思考您的構建”開始，然後填寫細節（旋律只是一個細節）；您從理論開始。當您希望/開始時有...感覺嗎？直覺？然後圍繞其構建框架。實踐->理論。而“灌輸”教師去做理論->實踐。您可以用大腦代替理論，而可以用心臟來實踐。同樣的事情。
我總是想到一個著名的名言：“我玩自己想玩的遊戲。如果其他人喜歡的話，可以讓其他人思考並分析我到底在玩什麼。我不會不在乎”。
（個人軼事是在一群理論活躍的人們中消失的，他是唯一一個沒有音樂理論背景的人，這是他的個人軼事。 。;-））
暗示任何一種書寫方法都是“ the”方法將是荒謬的。
旋律和和諧畢竟是同一枚硬幣的兩面（以某種方式來說）。旋律表示和聲，和聲表示旋律。
有時候，我從一個旋律的想法開始，有時從一個和弦模式開始。似乎都可以。至少對我來說重要的是，我可以在創作音樂的同時進行修改。我會根據需要更改琴鍵，節奏，低音線，旋律等，以使其聽起來不錯（或者至少我認為聽起來不錯。）我要說的是，修訂比起初的修訂更為重要。
不要丟掉未使用的想法，在某個地方記下它們。當一心要做某事時，這是一份不錯的清單，一次看來是個好主意。