一個好問題-我記得很多年前當我自己對同一件事感到困惑時，實際上一開始，這一切似乎完全是隨機的。為了回答您的問題，需要有一些背景知識：

從歷史上看，從漸進漸進的角度來思考音樂，實際上只是在最近的150年左右（考慮過去的2000年不是很長...）莫扎特正走出巴洛克時期，在那個時期，許多人對音樂的理解是線性的，就像，垂直諧和是線性運動的結果，而不是相反。馬勒（Mahler）和西貝柳斯（Sibelius）很難確定-西貝柳斯（Sibelius）寫了很多程序音樂和麵向自然的音樂，通過他的 teleologicalgenesis 技術，他可以說他是線性思考（或者可能是用短語模塊）比和諧思考更重要，但是我離題。結果，發明了無數設備來促進這些關係之間的移動。這些設備（音化，調製，色飽和度）和許多其他設備將花費很長時間才能在一個簡單的答案中準確描述。但是，重要的是要記住他們使用了這些設備，而您尚未開始使用它們。因此，您的音樂聽起來不會像那裡的音樂。

寫作音樂時，某些人在靈感方面會有所不同，而應該則因項目而異。例如，如果您正在為樂隊寫一首歌，您可能會首先想到和弦進行。但是，如果您要為藝術歌曲設置文本或為大號或其他樂器演奏奏鳴曲，則可能會想出一些在之前添加和弦的即興即興。

道德：不要驚慌；不要驚慌。從您首先聽到的內容開始。

是的，有一些“固定”進度。例如：

• I-IV-V7-I
• I-vi-ii6 / 5-V7-I
• I-vi-IV -V7-I

許多作曲家（尤其是著名的作曲家）因其在經濟上使用和弦而聞名，他們一遍又一遍地重複。

替換

這種用法在整個工作過程中和局部提供了諧調一致性。您可能會或可能不熟悉音階和音調。在流行音樂中，通常會忽略鍵，如果您想將和弦放在一起聽起來像它們應該放在一起，則可能會帶來挑戰。那麼您應該知道主音調中的和弦可以用這樣的音階表示：

I，ii，iii，IV，V，vi，vii°

在通常的演奏中（例如I-IV-VI），可以用共享音符的和弦替換一個和弦。例如，IV可以被ii或vi取代，I可以被vi或iii取代，V可以被iii或vii°取代。 （應注意，iii是非常弱的和弦，不能有效地代替V。）

節奏

學習不同類型的節奏以及如何/何時使用它們是一個好主意。然後，您可以使用固定進度表來指導下屬和聲指向節奏，並讓自己向前運動。

我的建議

從簡單的固定和弦進程開始，然後練習僅使用 這些和弦編寫一些音樂。用全部12個鍵執行此操作。一旦感到舒適，就不時開始用一些和弦代替更有趣的和聲可能性。最終，您將針對自己喜歡聽的東西以及應該如何標註自己的風格進行發展。

我想不言而喻，創建有意義的和弦進行演奏有很多不同的方法，但是我想分享我上大學音樂理論時學到的一個有用的“技巧”。這個技巧不需要廣泛的理論知識，因此這是開始創建聽起來不錯並且對您的工作有所了解的簡單方法。另外，讓我首先提到在他的好文章中提到的所有jjmusicnotes罐頭級音實際上都遵循此技巧，所以這真是個精巧的技巧。 ：）

訣竅是使用和弦運動，聽起來總是 向前移動 ，而這些運動是：

• 上升二分音
• 下降三分音
• 上升四分音

其背後的理論是帶有和弦的音符要么是：

• 移動到音階的下一個音符（向前移動）
• 保持不變

這裡是一個示例C大調中每個和弦動作的變化：

上升2nd： C大調到D小調

所有C大調和弦中的音符（C，E，G）移至音階中的下一個音符。

  C --> D（向上移動）E --> F（移動向上）G --> A（向上移動） 

向下三級： C大調到小調

C大調和弦中的G音符會移至音階中的下一個音符。 C和E音符保持不變。

  C – > C（保持相同）E – > E（保持相同）G – > A（向上移動）代碼> 

上升4位： C大調至F大調

C大調和弦中的音符E和G直到音階中的下一個音符。 C音符保持不變。

  C --> C（保持不變）E --> F（向上移動）G –> A（向上移動） 

最後，我在開始時提到在他的帖子中提到的罐裝和弦jjmusicnote遵循此技巧，所以這裡是這些和弦進行的分解（為簡單起見，我省略了包括的和弦擴展名jjmusicnotes）：

  I IV V I-向上移至4th- 2nd-向上移至4thI vi ii V I-向下移至3rd-向上4th-移至4th-向上移至4thI vi IV V I-向下a嘗試3rd-down 3rd-up 2nd-up 4th  

嘗試一下，您會發現使用此方法創建的和弦進行度與 前進 ，所有這些和弦進行。

此外，如果您將所有這些和弦移動反向，以“ 下降第二個”，“ 上升三分”和“ 下降四分”，則會產生完全相反的效果。現在，您將 向後移動 ，而不是向前移動。當您要使用它時，這為您提供了另一種口味。

這是一個非常好的問題，所有著手寫音樂（在任何諧波系統中，無論是音調還是無調）的人都在與之抗爭。我目前所得出的結論是，一切都歸結為語音引導。

我將承認沒有讀過活塞先生的課文（儘管我很欣賞他的音樂），但從方式上看您說出您的問題，我相信他會以通常的垂直方式介紹諧波理論。這種方法在技術上沒有什麼錯，但是我個人認為這種思維方式比組合方式更適合分析。將和諧視為垂直結構的整個過程都植根於法國巴洛克理論家和出色的作曲家讓·菲利普·拉莫（Jean-Philippe Rameau）所倡導的思想，此後在分析思想中一直很突出。該理論遵循這樣的觀念，即低音中根運動的模式決定了諧波的進行。但是，我相信Rameau錯過了商標，只是對好的寫作結果而不是其背後的原理進行了有益的觀察。

為了更好地了解和諧的運作方式，我認為在其歷史背景下進行思考是很有用的。在巴洛克風格出現之前，到中世紀進入文藝復興後期，作曲音樂從根本上講是複音藝術。構思音樂的主要方式是多種聲音演唱完全獨立但在 harmony 中彼此交互的單獨的線條。每個聲音（中音，女高音，低音等）的歌聲本質上都是略帶花哨的格調，如格里格利式風格，符合常見的“觸覺”或“脈搏”。作為獨立實體的構圖之聲的概念如此普遍，以至在巴洛克風格出現之前，分數就不存在了。即使以多達9種聲音（在一個著名案例中為40種聲音）作曲，作曲家也會在自己的聲部手冊中分別寫出每種聲音。人們期望有機體能夠閱讀從5本書中看到的以這種方式寫成的5個部分的動議，這些書將被考慮作為一個受人尊敬的教會的一員！

現在，將其與音調和諧相關聯。如果隨著時間的流逝花一些時間研究複音音樂的發展，隨著聲音變得越來越多並且它們之間的關係變得越來越複雜，所產生的和聲結構開始聽起來越來越像普通的和聲進行。當然，所有這些音樂基本上都是模態性的。真正的主要小調直到真正的巴洛克時期才真正出現，但這實質上是文藝復興時期聲音引導中常見趨勢的一種模式化。巴赫合唱是人類最常被分析的4個部分的和聲，從線性和弦的姿勢來看，比在垂直和弦的姿勢更有意義。

要想更好地書寫和聲級數，請找到一本16世紀的對位教科書，並指出要遵循所有規則。剛開始時會有限制，但我認為這很有啟發性。嘗試在兩個聲音中用同樣有趣的旋律線寫2個聲音對點，然後開始添加聲音。我認為您會驚訝於您的結果與良好的通用練習和諧程度如此接近，而根本不考慮垂直結構。

當然，並非所有音樂本質上都是對立的，因為Rameau的專著想法一直存在於一般的音樂意識中。在他之後寫的許多音樂至少部分是基於他的思想。但是，我非常堅信，最偉大的作曲家（其中的西貝柳斯，馬勒和莫扎特）非常了解聲音引導的這種普遍性，而我認為，這在一定程度上有助於他們和諧的奇妙有機主義，

聲音的引導和對張力與釋放的良好控制以及對時間和動量流的意識（巧合的是，所有這些都不只是音調音樂的一部分，請閱讀） Hindemith的理論教科書，以及對音樂中Bartok！的一些分析，是最重要的考慮因素。音調的進步不是，而且從來沒有成為目標，而是人們在過去的幾個世紀中處理這些基本問題的方式的結果。我認為，如果您嘗試用這些術語來考慮音樂，不僅會寫出更好的音樂，而且您更有可能採用新的和新穎的方式來解決音樂問題，並創造出更加個性化和較少人為的風格。 / p>

祝你好運！

偉大的問題Sketchyfish以及尚未在其他論壇上回答您的問題的原因是，因為確實沒有明確的答案。理論真是太好了。我認為這對於作曲家來說是必不可少的。

良好而有趣的和弦進行基於旋律。從您的問題看來，您似乎是想在旋律之前想出和弦進行，還是只是想出獨立的和弦進行。並不是說這種方法有什麼問題，而是它們自己表現出的進步是因為旋律需要這些特定的和弦。

我非常懷疑任何作曲家都故意認為，我必須演奏這些和弦。音符序列，以便我可以解析為V和弦。作曲家經常會想出有趣的旋律，然後使用和弦來調和旋律。由於作曲家可以而且確實使用屬於非常遙遠的琴鍵的和弦，因此容易陷入一些毫無意義的進程。和諧的是，有太多的方法可以使旋律和音符保持一致。和聲時，您必須決定是否要讓旋律與和弦的根，三或五，甚至是擴展音符（如6或平音13）相協調。

我認為您應該嘗試編寫旋律，然後再添加和弦。從屬於該琴鍵的最簡單的和弦開始，然後從其他琴鍵開始使用和弦。例如，如果您正在演奏Cmajor的琴鍵，而您的旋律落在D音符上，則將其與Bb和弦調和。 Bb是Fmajor的IV和弦，與Cmajor緊密相關，它可以使您的旋律更有趣，因為它包含一個D音符，該音符將與您的D音符一起出現，但是它還包含一個B降音，不屬於到Cmajor的鑰匙。

總而言之，我真的不認為像莫扎特這樣的作曲家會那麼有條理，以至於他們在思考：“我必須妥善解決這個問題，因此我需要通過做理論上正確的文章來走向V。 。我認為他們會讓自己的旋律和情感隨心所​​欲地調，然後以有趣的方式調和。音樂的早期階段有很多反複試驗，但最終您會開始為它開發耳朵，從而更容易獲得所需的聲音。

要回答張貼者的問題，您應該研究“五分之一圓”，並將其作為音樂理論創作的核心。有一個數學上的原因，在440 Hz處看著“ A”，然後從那裡向下進行工作，某些以5ths上升或4ths下降的圓的和弦將在耳朵中正確地“共鳴”並確保“正確性”。到耳鼓和神經系統。

相對於根音和弦，所有和弦I-XII（甚至高出第13和第14根）都可以在五分之一圈內到達，或其衍生的進展。

所有作曲家都會斷言，“藝術”許可允許五分之一圈之外的無調音和其他音調-我當然是其中之一。但是，由於過於依賴，這種音樂通常聽起來不和諧，寫得不好，儘管達到張力和決心，但並不總是聽起來“明智”或特別吸引人。

我要說的是I-V-I或I-II-V-I是“正確”的進展，而不是出於“藝術”原因，是出於數學原因。儘管作曲家可以“用耳朵演奏”或“情感上”或“有靈感”地寫作，但這些人類動機不會改變物理定律，也不會改變和諧的方式。一個好的作曲家會接受這些自然法則，而不是與之抗爭並假裝它們不存在。

當然，可以製造張力和分辨力，例如整個音調間隔或只是隨機的和弦。而且，像許多優秀的歌曲作者一樣，我認為這些“效果”如果使用得當，尤其是過渡和過渡部分，對於良好的寫作至關重要。但是我懷疑一個認真的作曲家是否會完全放棄五分之一圈。

我們通常從家中開始，踏上旅途，最後回到家中。家通常是補品的調弦：1V（占主導地位的7）可以帶我們回到新的臨時家中。和弦可以導致其V，G7和G7可以將我們指向C.但是您可以使用佔優勢的7和弦將您帶到其他位置.C是家.E7指向新的臨時鍵，通常是A小調。這就是歌名《 Georgia on my Mind》中的情節.C-E7-未成年人。我們可以根據自己的意願繼續遠離家鄉旅行，但...訣竅是最終找到自己的路.Paul http://www.learnjazzpianoonline.com