將我歸入“初學者”類別。

這裡的其他人是否發現和弦音階理論方法對許多學習爵士的吉他手有害？

我的意見：是。

不僅僅是吉他，還有鋼琴。也許唯一有害的地方就是鼓手：-）

如果您在查理·克里斯蒂安，查理·帕克，塞隆尼和尚，霍勒斯·西爾弗等人中發現自己的爵士樂標準，他們沒有使用過和弦音階系統。它是在1970年代發明的。據我了解，當爵士樂進入學院時，這是一種選擇的方法。

根據我自己的經驗，我認為這是有害的。 浪費大量時間！ ！我不明白為什麼從音階上即興創作即興即興演奏聽起來並不像爵士樂。然後，當我查看查理·克里斯蒂安（Charlie Christian）的個人錄音時，問題變得非常明顯：他從折斷的和弦及其修飾中即興創作。我在查理·帕克（Charlie Parker）的筆錄中註意到了同樣的情況。因此，從和弦音調演奏並不排除線性，逐步演奏。

通過和弦與音階思考，您可以陷入雞或蛋的境地。充滿和弦使音階。三分之二的音階和弦。但海事組織這些不是可互換的想法。了解和弦就是了解和諧。請記住，爵士樂經常用鉛片和弦符號來書寫。您會得到類似 Bb7 之類的東西，並且和弦音階系統顯示播放 B 平坦的Mixolydian。如果只知道音階，就不知道和弦音調，也不知道和聲的含義，因此將 avoid tone 概念添加到系統中。看起來像一個繁瑣的系統，希望避免學習傳統的和諧。

像我這樣的初學者所面臨的問題是，沒有一種和弦音階系統方法（我沒有見過）作為該方法的開頭，並解釋了在爵士樂的發展過程中，沒有一位偉大的爵士樂創新者如此演奏。

模態爵士是例外。顯而易見，為什麼這種風格放棄了標準的和弦進行，卻將注意力轉移到了音階上。當您演奏單個和弦的8或16小節時，很明顯，您不會專注於和弦音調，而會採用其他方法，即基於音階的方法。

布魯斯基地的東西似乎也不同。當進行某種基本的爵士藍調演奏時，僅使用藍調“音階”即可。看來您可以很好地混合破碎的和弦和藍調音階。

將音階與和弦匹配的方法很有用，但絕不應成為理解變化的主要重點。相反或相反的方法是查看和弦如何適合單個音階。例如，有7個主要和弦的第7和弦，可用於創建“圓圈漸進”，

I-> IV-> vii-> iii- > vi-> ii-> V-> I

琶音和和弦都適合一個音階，為什麼要跟隨每個和弦？
我們經常在進度，並諧和地表明這一點，我們插入了上述進度的一部分，導致出現了新密鑰的V7。例如，如果您想從I調製為IV，您所需要做的就是在I上占主導地位的第7位，即I-> I7-> IV。另一個，通過在iii和弦上演奏V7來調節為相對未成年人。這些顯然是在引入新的偶然事件，並且偏離了原來的音調，但是它們有一個目的，如果您可以理解，您可以將整個和弦序列識別為一個鍵。然後，您不必停留在和弦上，只需簡單地停留在一個音階上，並用耳朵引導您進行更改即可。

音樂比音階還要重要。正如您所指出的那樣，有一種曲調。這與選擇音符時的節奏和措辭一樣多。在我看來，一種值得採用的方法是通過耳朵（如果可能的話）或使用轉錄來學習一些音樂和其他吉他手的獨奏並進行剖析。您將看到一些常見的模式，如果您了解某種音樂理論，可以使用它。問問自己，這種舔法是如何遵循音階和弦方法的（很可能不是這樣）。以我的經驗，旋律並沒有像和弦那樣偏離。和弦支持旋律而不是相反。您還可以針對給定的曲調嘗試交替的和弦進行方式，這比真實書中所寫的簡單。例如，爵士樂似乎比搖滾樂更為複雜，但有些基本模板已被過度使用。就像I IV V一樣，還有ii V I（並且ii替代了IV）。我們傾向於使用變更後的和弦在和弦運動中創建更多的主音，但這仍然只是西方音樂的基礎理論。

旋律講述了故事，一種方法是從旋律中藉用線條並將其變成舔舌，使它們圍繞進度移動。您絕對不應該避免記筆記。您只需要解決它們，通過它們即可。或強迫“退出”和諧。只要在短語和節奏中重複一些連貫性和样式，您就可以真正演奏任何東西。

傑里·科克（Jerry Coker）的書提倡保留一本舔字和短語的書，每天說3至5個短語。他們可以通過簡單的2或3個音符重複短語。然後，他建議在一組更改中僅使用其中的幾個，以了解它們如何（或是否）適合在一起。

我想說的是更多地了解古典和聲理論，以便了解和弦進行及其與旋律的關係。保持舔書。耳邊轉錄，剖析聽到的聲音，尋找重複的模式。繼續嘗試並保持有效，丟棄無效的內容。不要將音樂理論誤認為總是會導致成功（如果失敗就會失敗）的硬性規定。

這個問題如何引起我的共鳴，以及它如何適用於布魯斯，而不僅僅是爵士樂，這很有趣。多年來，我一直在為12小節的布魯斯進度而努力，直到最近我才開始突破。

像你一樣，我發現周圍的教學效率很低。 / p>

首先，我被告知要使用“布魯斯音階”（較小的五聲，帶有一個額外的b5），但我打了很多錯誤的音符。

然後，我被告知要使用和弦音調（或琶音）和獨奏開始反映出基本的和聲，但我發現他們什麼也沒說（即：它們並沒有增加太多和聲）。

然後我被告知要使用與每個和弦相對應的混合音階（即，A7和弦上方的粘膠體音調，E7上方的E粘膠體音調等）。我猜這就是您所謂的“弦音階理論”。我開始獲得更加多樣化的聲音，但仍然不夠藍調。

對我來說，布魯斯獨奏僅在您混合以下所有條件時才有意義：

• 小藍調音階
• 和弦/琶音
• 大五音（僅用於大藍調）
• 和弦音階理論
• 彎曲（必不可少！）
• 顫音，弦槌和拉弦樂
• 一個庫舔一下：找出它們聽起來像什麼，並嘗試尋找合適的時機播放它們（如上面建議的@ggcg）
• 第11和第12小節上使用的周轉庫

所以我發現和弦音階理論是一個有用的構建塊，但僅靠它們本身不足以構成一個好的獨奏。當我想快速覆蓋2個八度音階以增加張力時，我發現音階/琶音非常有用。

和完整的音階相比，和弦音更為重要，因此大約是音階的一半！

閱讀一些想法-“在C鍵中，因此C愛奧尼亞語，Dm bar使用D Dorian， G bar使用G Mixolydian等對我沒有意義。所有這些都使用相同的7個音符集，所有更改都是根。從酒吧的和弦名稱中可以明顯看出。

如果這是更複雜的Bm7♭5，則彈奏該和弦將暗示即使是Bm7和弦，演奏F playing通常也是如此。比起演奏F be更具音樂性。但這是一個音符-從那個和弦-並不完整。究竟誰在每個小節中通過在特定音階上上下移動來演奏爵士樂？也許那不是音樂？

如果和弦音階理論使您為每種和弦變化選擇一種模式，並從該音階的音階中彈奏隨機音符，而無需考慮演奏音符在音調上的和弦和弦方面的作用，那麼該理論對您有害。音樂不是隨機的。和諧不是隨機的。如果您隨機演奏音符，則會得到隨機的和聲，我會說，這甚至不是音樂，而是混亂。即興創作有很多不可預測性和隨機性，但必須通過敏感性和品味加以馴服和控制。

每個旋律都概述了一組可能的和聲變化，旋律並不作為一個單獨的實體而活自己的宇宙。同樣，每個諧波級數都支持某些旋律可能性。如果您獨奏旋律音符，則您演奏的所有內容（a）支持和加強現有的和聲思想，（b）以某種方式調整和聲，賦予其不同的性格，或（c）通過創造不同意和反對和聲的方式不兼容的無關諧調的想法。旋律與和聲齊頭並進，每首旋律都勾勒出一些和諧的感覺，即使這是單聲部獨奏。在我看來，如果您不能即興演奏和弦音色，就無法真正即興地演奏良好的旋律。如果您演奏的旋律很好，那麼無論您是否知道，同時也為和聲進行了準備。

我沒有發現和弦音階的方法有用，因為每個和弦使用不同的音階。

我通過聽很多爵士樂而不是通過匹配我的模式和和弦，了解了更多關於即興演奏的知識。在許多爵士樂曲調中，和弦的持續時間不會超過兩個節拍（可能是一個小節）。這還不足以使每個音階產生特定顏色的時間。此外，樂曲中的所有全音階和弦最終都使用同一組音符。即興演奏時，每個和弦的開始和結束的音符模式真的重要嗎？

了解每個和弦的音符非常重要，因為和弦音調是錨點和用於解析的音符。如果音符解析得好，任何音符都可以播放。

這也取決於您的風格。一些爵士音樂人以獨奏而聞名，他們只停留在和弦的較高端，並且通常不和諧。