教學生如何製作自己喜歡的音樂。儘管經驗豐富的音樂家通常胸襟開闊，能夠看到多種音樂的價值和美感，但年幼的孩子通常主要是想了解有關音樂的知識。他們喜歡的東西。您現在可以在學生手機的圖表/俱樂部/中令人信服地說明歌曲的結構嗎？你可以自己製作音樂嗎？如果不是這樣，請先嘗試做，然後再嘗試教授。

以平衡的方式將您的學生介紹到音樂界。了解歐洲藝術音樂真是太好了從兩三百年前開始。了解拉丁舞，阿拉伯音階和日本民間音樂也同樣重要。了解音色和節奏與了解和聲與旋律一樣重要。

向您的孩子介紹盡可能多的概念，並讓他們決定他們認為哪些對您有用並與之相關他們想要做的。

幫助您的學生理解音樂理論的不同部分所代表的意思。

尤其是，他們應該了解哪些想法。

• 術語和符號
  這些將提供聯繫和傳達音樂概念的方式。
• 特定於樣式的規則和準則
  這些是特定於樣式的事實，需要了解。
• 基本的音樂概念
  不要害怕進入頻率比科學，諧波序列，波形，心理聲學-甚至聽覺系統的演變。這將激發您最聰明的學生！

教您的學生在他們已經知道的理論之外進行“理論上的思考”。 您可以演奏一兩首您認為他們不太熟悉的樂曲，並請他們寫下他們認為該樂曲或風格的音樂規則-然後讓他們遵循這些規則製作新樂曲。這種風格。在做一些新的事情時，理論上的思考才是最有用的。

完全不要“教他們理論” -給他們機會體驗音樂，激發他們的思考能力為此，播下理論知識的種子，並使其有機地發展和成長。

有兩種方法可以處理音樂理論-作為音樂理論家（實際上可能會或可能不會演奏）或作為音樂實踐者（即：音樂家） ）。知識要求顯然是不同的，在這個問題的背景下，我將主​​要關注從業者的觀點。

讓我們思考一下音樂家對音樂理論的哪些（某些）知識值得。我可以看到至少三個學習至少一些理論的理由：

1. 與其他音樂家的交流，

2. 模式熟悉，

3. 創意快捷方式。

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讓我們依次看看它們中的每一個。

通信

讓我們給它起個名字，這樣我們就可以進行討論。

（術語skacore的威武博斯通）

作為音樂家，我們需要能夠與其他音樂家談論音樂的精髓，而且日常語言並非總能勝任。當然，與pianissimo相比，您可以說“非常安靜地演奏”，但是大多數情況下，標準音樂術語的唯一替代表示您想要的（例如，“以6/8的感覺演奏”）是實際演示您要說的話。顯然，最好用一個簡單的術語來表達一個潛在的複雜概念。

由於我們在談論教學，因此需要交流的兩位音樂家是老師和學生。當然，可以教某人表演音樂作品而無需在任何時候講理論（簡單地通過演示學生在表演中需要經歷的所有動作），但是如果您可以在概念上進行交流。唯恐我們忘了，音符名稱和音符等基礎知識也是音樂理論的一部分。

模式熟悉

我們可以將一段樂曲看成是一連串的音符和音符，從頭到尾都可以帶我們進入音符，甚至可以通過記住它來學習演奏，我們可以將其視為由較小的構建塊組成的構造。至關重要的是，這些構造塊也將出現在其他音樂中。

什麼樣的構造塊？音階，和弦，琶音，音序，節奏模式，標準形式，節奏等。每當我們能夠在不熟悉的音樂中發現我們已經知道的東西時，我們的工作就變得容易得多。與其依次研究和學習每個筆記，我們可以應用我們已經熟悉並精通的高級概念。

為了熟悉和精通此類“構建基塊”，我們必須首先意識到它們的存在。音樂理論的功能之一是識別此類構建基塊，對其進行命名並檢查它們如何契合。

創造性的快捷方式

遲早我們可能會發現自己需要實際創建一些音樂，而不是學習別人寫的東西。這可能涉及從頭開始編寫整個作品，也可能簡單到“您能否在這部分上拿出一部分？”

再次，可以通過反複試驗來完成工作。但是，如果我們對可能的工作原理和不可行的想法有所了解-如果我們熟悉可用的選項以及聽起來像是什麼，它將變得更快，更容易。

知識音樂理論的學習使我們不僅可以熟悉這些選項，還可以學習分類系統，使我們可以輕鬆地跟踪它們。

一種實用的音樂理論教學方法

換句話說，學生應該首先學習演奏音樂。但是，在學習遊戲的同時，他們也應該逐漸學習他們正在玩的是什麼，以及它如何與他們已經學到的其他東西相適應。

讓我們嘗試編制一份清單，每個學生都應該學習的最基本的音樂理論概念：

1. 紮實的節奏知識（包括節奏符號）是每個人的絕對必需。我總是說學習計數是掌握音樂家的最重要技能。
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關於節奏的妙處在於，即使從第一天開始，它仍然可以練習用樂器產生聲音的機理仍然是一個深沉的，黑暗的謎團。在我的教學實踐中，我總是從剛開始的新手開始鼓掌練習，讓他們無需節奏地彈奏樂器就可以感受到節奏感。

1. 正在學習的聲音的基本名稱應該儘早地教，儘管可能不早於第一次要求演奏它們的時候。
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學生應該正在學習他們演奏的音符的名稱（我知道這很簡單，但仍然很重要），和弦（尤其是使用模式密集型樂器，例如吉他），發音等等（具體取決於樂器）。

這樣做的原因應該很清楚：將要求學生在學習過程中一遍又一遍地玩這些東西。老師需要一種簡潔的方式來傳達學生需要演奏的內容，並且使學生更容易按照“我在這裡演奏C大調和弦”的思路思考，而不是“我需要把這個手指在這裡，這個手指在這裡，那個手指在...”

在將來的某個時候，學生很可能會發現自己在教室外與其他人一起玩耍，在這裡，關於所要演奏的內容進行有意義的對話的能力將非常寶貴。

關於這個特定的問題，應該鼓勵教授某種適當形式的樂譜。如果存在一個更簡單的常用系統，那麼從一開始就不必是標準的音符（在這種情況下，我尤其考慮製表法，因為它為樂器提供了明確的音符系統，其中相同的音符可能會以六種音色演奏不同的地方，甚至更多）。重點是讓學生有某種方式來記錄自己需要演奏的內容，沒有老師向他們展示時可以自己演奏，以及能夠自己探索書面音樂。

2. 在學生學習遊戲的同時，他們還應該開發一種心理框架，使他們能夠理解他們正在玩的 以及它如何與他們的學習相適應。
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面對一種樂器，我們被帶給了音樂無限的可能性。我們需要一種將它們分解為一口大小的塊的方法。

每種樂器都有自己的一套“技巧”，以使其更容易（例如，鋼琴鍵盤可以讓一個人“看到”音符名稱；另一方面，吉他可以使它易於移調通過將指法模式移到不同位置來將音樂移到不同的琴鍵上，因此具體操作將取決於所教授的內容。

在頻譜的另一端，所有（或大多數）樂器都有一些通用的東西：諸如音樂形式，音調，節奏模板之類的東西。

在這樣一個框架的背景下，可以隔離大量特定部分共有的概念，並可以單獨進行實踐。例如，如果我們知道如何演奏C大調的琶音，那麼當我們在迄今未知的音樂中遇到該知識時，我們可以依靠該知識。我們可以用不同的鍵來練習它，從而提高機械能力（即：熟練執行音樂段落所需的動作），並為需要在音樂環境中演奏的時間做好準備。

但是，在所有情況下，我們都必須首先意識到存在分解音樂的方法，然後才能使它們發揮自己的優勢。

一般注意事項

指出，對於音樂從業者，演奏應該是第一位的。理論概念只需要出現在學生正在學習的音樂中就可以出現。

所有節奏都需要從一開始就引入，即使我們從簡單，就像在彈奏（或鼓掌）四分音符時計算“一二三四十四”。

類似地，當學生正在學習演奏單個音符或和弦時，我們應該介紹從現在起它們所使用的名稱。說“現在彈一個B音符”相對於“用那個手指在那彈奏”的能力是如此重要，值得一提。如果學生正在演奏和弦，則他們應該知道這些和弦的名稱-同時演奏多個音符，將大量信息“轉儲”為單個名稱的能力非常重要。

一旦學生掌握了基礎知識並學會了演奏一些簡單的樂段，我們就可以逐步引入更高層次的概念。當我們想到音樂理論時，音樂形式常常會被遺忘，但這對於掌握更長，更複雜的作品以及即使對於初學者來說也相當簡單的概念都是至關重要的。通過演示如何將看似單片的音樂分解為可重複和交織的“塊”，我們向學生展示瞭如何使他們學習新樂曲的工作更輕鬆。

當學生開始擴展到不同的琴鍵時，我們應該逐步解釋琴鍵的概念，以及如何隔離，練習和調節音調系統的各個部分（音階，和弦，節奏）。應用。目標是讓學生看一首音樂，而在一系列音符方面的思考要少一些，而要在他們可以發現，識別和知道如何演奏的音樂方面來考慮。

實踐會永久化，因此在我們的教學過程中不斷強化這些概念非常重要。學生應該學習和練習音樂理論的這些要素，直到根深蒂固。最簡單的方法是，一旦學生對到目前為止所學的知識掌握得相當好，就可以指導學生分析他們演奏的音樂-特別是新作品。請記住，這樣做的目的是使學生更容易應用他們已經知道並可以在學習新音樂的背景下播放的東西。

從老師的角度來看，這意味著我們應該分析性地學習課程。當我們準備它們時。我們應該對將要教給學生的音樂中存在的理論概念有一個紮實的概念，並尋找可以利用這些理論以利於學生的方法。

某段作品中是否包含該學生的某些概念？熟悉？記下並指出。

它是否與學生已經知道的其他音樂共享一個概念，從而使學習變得更輕鬆，更快？是時候介紹這個概念並向學生展示如何應用它了。

您是否已經為學生配備了自己的分析工具包？大！通過與您的學生一起查看樂譜，並討論學生可以運用其現有技能的所有地方，開始學習新音樂。

如果我們希望我們的學生從音樂理論中學到知識，幫助他們進行音樂練習時，應該清楚我們需要檢查自己的音樂。我堅信所有的教學也是學習的（Schoenberg似乎同意）。我們能否超越教導學生如何演奏特定音樂的範疇，而建立技能和知識，使他們以最少的額外工作就能演奏不同的事物？如果不是這樣，也許是時候重新審視我們的音樂理論了。

編輯：一個示例性例子

在我發布此答案後，我開始認為這可以說明我們希望向從業人員講授理論的最終目標，所以碰巧我有一個很好的個人軼事。

在我姐姐的婚禮上，我被要求坐在樂隊擔任首席吉他手。他們在玩一些我熟悉但尚未玩過的適當標準。他們在上台之前簡短地問了我，所以沒有任何排練的機會。

幸運的是，鍵盤演奏者有一些簡短的筆記（基本上是和弦和歌詞），所以我們同意了只是看著他的肩膀。然後他告訴我：

“只有一件事：我正在調換鍵盤以使我的生活更輕鬆，因此我將要使用的實際按鍵會有所不同。”

不用擔心。

我最後要做的是讓他在開始唱歌之前告訴我實際的琴鍵。然後，我會在腦海中對他所寫的和弦進行快速的羅馬數字分析，以諧和地了解我的位置，這便使我有了旋律感。效果很好。

這個故事的寓意是，要實現這一目標，我必須超越所提供的信息範圍（既不完整也不十分準確）。這樣做的唯一方法是，首先隔離總體概念，然後根據我的實際情況提出一個合適的應用程序。如果沒有紮實的基礎音樂理論（或快速的耳朵和完美的音調），那就不可能了。

（讓我開始說，這是您展示的糟糕的音樂理論作業。我知道那不是您的音樂理論，但是如果我從學生那兒學到的東西，我會討厭音樂理論！ ）

首先，我們必須準確定義“音樂理論”的含義：

• 是古典音樂家的音樂理論，還是流行音樂家的音樂理論？ > li>
• 學生可以閱讀音樂，還是這些只想在計算機上編寫電子音樂的學生？
• 課程是否包括聽覺技能成分，還是嚴格的書面理論？
• 學生正在學習（而老師在教）的總體輸出目標是什麼？
• 您是否更喜歡“垂直”和弦疊加方法（請參閱Kostka和Payne教科書）或更“水平”的聲音引導方法（請參閱Aldwell和Schachter； Laitz； Clendinning和Marvin的教科書）？

只有這樣我們才能真正做到 em>開始回答這個問題。

在廣告中除了alephzero和topo morto已經給出的兩個很好的答案之外，還有一些進一步的評論：

• 教師必須理解上下文示例與上下文示例之間的區別和重要性。 “上下文”是指來自文獻的示例（例如您提供的PDF中的“歡樂頌”示例）。 “上下文”是指曲目表的外部示例（如PDF中其餘兩頁的“完成這些真實節奏”）。在絕大多數時間裡，學生更喜歡上下文示例，而當您使用實際的音樂示例時，材料更容易“粘住”。
• 類似地，在討論您的曲目時，與他們見面。太多的音樂理論講師堅持要一遍又一遍地教授來自相同的莫扎特和海頓鋼琴奏鳴曲的相同短語，並且沒有什麼能更快地殺死學生的熱情。如果您的曲目中未包含 Aladdin ，甲殼蟲樂隊和Lady Gaga中的示例，那麼您做錯了。

最後，一些消息來源教授音樂理論，即使他們倆都是針對大學教授的。

• 邁克爾·羅傑斯的“音樂理論教學方法”是認真學習任何人的必讀音樂理論。
• 如果您要教聽覺技巧，還可以查看Gary Karpinski的“聽覺技巧習得”。
• 有專門針對此的期刊非常疑問：《音樂理論教育學雜誌》。這些文章（免費提供）中的大多數都遠遠超出了您的問題範圍，但是對於任何教授音樂理論的人來說，它都是重要的來源。

假設學生是正確的，從某種意義上來說，“理解完美節奏”足以以四部分和諧的方式寫出其中的一些節奏是完全無用的知識。 ，並且在他/她的音樂發展過程中，現階段他/她的 可能對這些環境的興趣最小。

“傳統”方法在基礎水平上講授“音樂理論”似乎是基於普遍的實踐和諧。早在19世紀，這是一種“現場”音樂背景，但現在已經不復存在了。即使在教授“傳統樂器”演奏“古典音樂”（無論是什麼！）的情況下，也至少有一個世紀積累了高質量的實用教材。

如果以上內容正確識別了問題的根源（或至少一個 根源），則我沒有“解決方案”，但作為一個具體的示例，我們要關注的是“理論”專為與Bartok的“ Mikrokosmos”同時使用而設計的鍵盤學生課程？我懷疑其中的“完美節奏”不會很強。

2016年，“ Microkosmos”幾乎不是最前沿的前衛音樂...

Hindemith撰寫的各種“基本理論和音樂家”書籍至少是正確的方向-儘管它們現在已有半個多世紀的歷史了，並且可以說Hindemith在編寫它們時會磨削自己的理論斧頭（該斧頭從未成為音樂製作的主流工具）。

我是那個笨拙的小提琴家，他不懂理論，也不介意–直到大約兩年的演奏，直到他拿起鋼琴才真正不介意。為什麼要鋼琴？好吧，從綠角小提琴家的角度考慮一下。小提琴在音樂理論上非常抽象。這些音符基本上是您需要記憶的弦上的點-物理上和聲音上。因此，使用Suzuki之類的方法通常更容易學習，在該方法中您很快就會精通童話，但是卻以閱讀音樂為代價。

這是我今天在這裡鍵入此內容的唯一原因，如果可以的話，不要玩電子遊戲。我會在多年前退出。

由於鈴木，我可以比以前更快地享受小提琴。但是...理論。是。在演奏大約兩到三年之前，我根本聽不懂音樂，直到加入第一支樂團之前，我的音樂都非常差。因此，大約在一兩年前，我開始“學習理論”並作為小提琴的補充。

它是 PAINFUL 。如此痛苦。 （起初...）

因為我以前從沒玩過，而且我的鋼琴老師真的對其他任何課程都不了解，所以我從一本基本上適合幼稚園的書開始。那時我相當精通視線閱讀，但是從演奏“計算機”或“守望者”甚至是“經典”（如“ Boogie Woogie Goose”）中獲得的樂趣，我一點都沒有。我最喜歡前現代的東西。

然後，不久前，我的老師開始向我展示如何即興創作讚美詩。

它的美。哇。我的音樂世界已經開放。我不再將音樂視為頁面上的手寫筆記。突然間，我的腦海中出現了樂曲和即興創作的世界。

突然間，我想要了解和弦進行的過程，這些事情本來就不重要給小提琴手。我想要學習旋律裝飾。

我的老師首先向我展示瞭如何查找歌曲的“和弦”。找到琴鍵簽名，選擇音階的第一音符，進行三重奏，對音階的第四和第五音重複，然後在此音調中有三個和弦聽起來不錯。

”是的！ ”我想。 “現在我可以播放任何我想听的歌曲！我可以即興演奏！”

採取另一種情況。

”好，孩子。今天，我們要了解和弦的進步！那不令人興奮嗎？”

[凝結的尖叫聲，扯掉頭髮]

我什至沒有意識到我正在學習東東。在製作音樂的背景下，我被教導為製作音樂的一種方式。

此後，我更加獨立地學習音樂理論，但是我的老師教我如何彈奏和弦（1、5、8、3 + 3 ...如果我不關心，我無法將其應用於自己的音樂），並在自己的時間上學習了旋律裝飾...我正在學習音樂理論，因為我知道如何在娛樂自己的背景下將其應用。 / strong>

當我心情不好，感到無聊，高興或悲傷時（或者基本上每當我走過鋼琴時），我都會坐下來即興創作。我可以申請我想知道與它有關的任何事情。

讀樂譜怎麼辦？

我發現只要有一個樂譜，我就可以在背包裡放一個整個樂團。我。我會自學歌曲，並喜歡我的語言能力，而不是那些精打細算的朋友。

娛樂性吧？

所有這些東西，如果以課本形式講授，將放在一隻耳朵裡，而另一隻耳朵則不在。

這是我的命題：

在需要了解的基礎上的音樂理論，根據需要，我的意思是想要。

告訴孩子，“嘿，今天我們要看幾首使用[blank]的很酷的歌曲。“

”聽起來很酷，是吧？您知道您可以將[blank]放到任何想要的地方嗎？我認為它也很整潔。讓我們嘗試一下。在這裡，把它粘在這塊上。”

或者，如果[空白]沒法走到任何地方，請向孩子展示他喜歡[空白]出現的歌曲中的所有位置。最重要的是，向孩子展示他可以使用的 [空白]。

偶爾會有一些理論上的理論如此實際，以至於不能真正應用於日常使用中，但是一旦發現原因，學生就會受到激勵。 ，即使您無法顯示給他。

我已經開始了記住我的密鑰簽名的艱鉅任務。很難，如果我以前被迫這樣做，將會流下很多眼淚，而且忘記了關鍵簽名。

現在我想學習它們，因為我想指出一個可怕的地方看著分數，然後說：“那是F小調！”

有我的十美分。

我認為我們這個時代的偉大啟示是動機對學習和娛樂性的重要性。

動機

如果您是一名詞曲作者，您可能會因為好奇心而學習理論，並寫出更好的歌曲。樂於助人的人需要知道如何閱讀表和即興。您隔壁的朋友只想收聽和播放廣播中的歌曲，因此他只需要耳朵訓練和基本的音階/和弦。

所有這些人都需要不同的方法。如果他們得到了他們需要的東西，也許他們的天生好奇心就會開始並且會學到更多。

不同流派的人可能一開始並不喜歡學習完全不同的流派。 （我真的很討厭在C大調中演奏無聊的古典吉他作品-只是為了學習讀表）

遊戲

為什麼學習會很痛苦？試想一下一個幻想遊戲，例如，您可以通過玩不同的音階來投射不同的咒語。您使學習尺度變得有趣，有效和令人愉悅。

如果您曾經玩過戰略遊戲，則可能已經學到了很多有關管理資源，構造機器等的知識。經驗。現在，我會很高興玩一些教我音樂理論或訓練我的耳朵的遊戲。

為理論用戶提供的工具

正如我在動機中所說，您應該針對不同的需求開設多種種類課程。例如，作為一名詞曲作者，學習音樂理論的理想方法是將可樂譜，理論和音樂示例的可搜索“數據庫”組合到每個主題中，因此編寫歌曲時，我可以搜索下一步（示例）：

• 令人信服的音調變化
• 有節奏地將各個部分粘在一起
• 編寫人聲和聲
• 從情感上調高熱量（敲鼓，編排，和聲）

等。

沒有意見（“ 4個音符和弦比演奏三重音更複雜” ），但是有很多可演奏的示例，最好是多種流派和國家/地區。

永遠不要忘記音樂是要經過聲音的理解。

社區的力量

您並不孤單。 YouTube上已經有非常不錯的資料，您可以在空曠的地方學習如何最好地教某個領域。應該有喜歡音樂的開發人員，他們願意從事與音樂教學相關的手機有趣應用程序。您可以嘗試一些論壇來測試您的教學方法。

您從上個世紀的最佳作文老師那兒摘下一片葉子：

Dieses Buch habe ich von meinenSchülerngelernt。
Arnold Schoenberg，《 Harmonielehre》前言，1911年

“我從學生那裡學到了這本書。”

Schoenberg的教學風格是探索性的：如果您看一下他的理論和教學著作，從文獻中有很多例子。這種探索性教學方式的本質是讓學生參與研究真實音樂的工作方式。這樣做絕對需要您經常通過學生自身的見識來完善自己對音樂的理解。當然，這需要您在了解什麼可行和不可行時改進自己的方法。

將此方法轉換為學齡兒童與教育19歲的孩子並非都是 ：您需要將其與他們的工作聯繫起來（對於小學生來說，這是在學習唱歌和/或逐步演奏更複雜的作品）。變成了這樣的情況：“嘿，聽起來我們應該屏住呼吸，這是一個短語。現在，看看短語結束時這部分和這部分的工作...”

Pace alephzero，您要做需要根據常規慣例進行操作。如此多的現代音樂和後現代音樂都與之脫節，坦率地說，大部分學童將要學習用其樂器演奏的音樂很可能來自那個時期中期的輕拍，而不是 Mikrokosmos 。

這也引出了偉大的現代主義者的氣息：這位教授作曲家韋伯恩和凱奇的人幾乎只講普通實踐理論。造成這種情況的原因有兩個：

1. 得出關於音樂的結論（主要來自過去）比較容易。花費更多的時間和精力來確定其工作原理。
2. 因為它已在很大程度上進行了編纂，所以它更適合於培養學生操縱音調以完成他/她想要他們做的事情的能力的任務-音樂“健美操”（如果願意的話）。要完成此任務，您需要為練習設定明確的目標，以免讓學生做出太多難以理解的決定。現代音樂絕不是被很好地理解或編纂的，因此過早強制決策的問題變得更大。這與美術沒有什麼不同：如果您掌握了生活繪畫和視角的基礎，那麼之後您幾乎可以做任何事情。您具備必要的技能和控制力。
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我自己，當我與年輕的學生或初學者打交道時，我喜歡與Schoenberg的《 音樂作品基礎》 一起工作。指導原則：貫穿音樂元素的邏輯演進，所有這些都與從真實音樂中摘錄的示例相關（並且專門為說明觀點而編寫的示例也構成真實音樂）。