在絕大多數古典音樂中，演奏者的任務是精確演奏作曲家寫的音符。對演奏者來說，理解樂曲背後的理論並不是很重要，而且許多古典演奏者對理論幾乎一無所知（至少在到達音樂學院之前，如果他們走那條路的話）並且不會因此而受苦。 / p>

讓我們考慮一下C語言中著名的莫扎特鋼琴奏鳴曲：

，讓我們考慮在其中添加和弦符號：

坦率地說，這些和弦符號沒有添加任何內容。那麼，如果我知道第一個度量是C怎麼辦？我仍然必須演奏莫扎特寫的筆記。他們唯一要做的就是分散我的注意力。

免責聲明：當我在下面說“古典音樂”時，我忽略了一些關於我指的東西的對沖；想想巴赫（Bach）或勃拉姆斯（Brahms）

聽起來您可能來自流行/搖滾背景，並且熟悉例如吉他譜作為表示歌曲結構的一種方式。其他答案指出：

• 在古典音樂中，記譜法幾乎總是（從巴赫到今天）非常精確，而標記和弦將是多餘的。表演者只需彈奏頁面上的音符（希望是巧妙地）
• 古典曲目中的大多數音樂都可以用（有時很簡單，有時非常複雜或模棱兩可）和弦結構進行註釋。我們將其稱為“諧波分析”，它本身可以是一個創造性的過程（如果您是在大學學習音樂，則需要廣泛學習）
• 有形的低音是一個標註半即興演奏的練習，並且在精神上類似於Guitar tabs

Harmony ，諧波分析是一個非常大的主題，但我們有兩件事可以說出可能有用的流行音樂，和聲和符號：

首先，了解和弦的真正含義是什麼以及它的作用是什麼流行音樂和古典音樂之間確實有很大的不同（想想勃拉姆斯）。其中一些與您的問題有關：

在古典音樂中，
• 和弦應理解為一系列三分音符的序列，從我們所居住的音調的音階（或相鄰音調，次要主導音和弦很簡單）開始例）。和弦音符跨樂器或八度音調的排列方式（和弦如何發聲）通常是次要問題，並且從根本上不會影響我們如何和諧地理解發生的事情。在一段音樂中。 （並非完全正確：我們確實傾向於將和弦的 inversion 標記為貝司中的音符。這裡的含義是，是的，通常，和弦的基本音符是最低的注意）
• 相關地，古典音樂的特徵在於功能和聲，即不同的和弦強烈希望繼續進行其他某些類型的和弦（IV想要“去”想要解析為I的V和弦）。這種吸引力是大多數古典音樂的戲劇性和情感吸引力的基礎，作曲家依靠聽眾將這種音樂語言內在化。
• 相反，流行音樂往往寬鬆關於和弦的預期行為；例如V-IV-I和IV-V-I都是流行音樂中無處不在的進步，但是前者在古典樂曲中根本沒有任何意義：就像空氣從氣球中洩漏一樣。
• 相關地，流行音樂傾向於使用周期性的和弦進行，每4小節重複一次。通常，這種進展幾乎可以是任何事情。相反，在古典樂曲中，和弦的結構往往會更長且更不規則，因為作曲家會引導聽眾遠離音調並返回，並根據他們對功能和聲語言的熟悉程度來滿足他們的期望
• 吉他演奏家會以一種“慣用的”方式來思考和弦，即與樂器本身的機制緊密相關的方式：發聲是最重要的，需要允許打開的弦鈴響起，就會產生新的“和弦”，並且產生很好的效果，等等。

更直接地回答您的問題：方式流行/搖滾吉他手將和弦標記為和弦的方式與我分析勃拉姆斯的作品（例如）時寫和弦的方式有幾個重要區別：

吉他手（還有爵士樂手，我認為很多這種語言的來源）給“和弦”加上標籤，在古典音樂中我們不認為這是和弦。例如像“ C sus4”之類的“ sus”和弦；在經典諧波分析中，我們不認為這是和弦。我們將其稱為“ C大調和弦”，然後討論懸架，即非和弦音調。

在古典音樂中，這些懸浮音符往往會得到解析；他們暫時離開位置會產生張力。這意味著聽者聽到一個C大調和弦，並聽到不和諧。相比之下，在流行音樂中，這些和弦不需要通過或解析，它們可以坐在那裡並具有有趣的顏色，效果，或者可以以有趣的方式使用人聲線。

古典音樂中有很多語言用於表示各種非和弦音調，例如如果您分析巴赫的四聲部合唱，就可以看到所有這些。他甚至會使用成語，其中包括一系列懸浮音，這些懸浮音以復雜的方式通過許多和弦，並且在任何地方都無法截取垂直片段並找到純淨的“純淨”和弦。

我想強調的一點是，對一首古典音樂的諧音分析（這就是我們用和弦標記的方式）通常是關於我們期望之間的張力。以聆聽者的身份聆聽並聽到哪些音符，並且通常會忽略和弦的發聲方式或忽略一些發聲的音符。有時會有多種有效的解釋。

很抱歉，這種解釋太長了。相關的重要概念應該更高一些： 對位 ，這是多首旋律線相互作用以暗示某些和聲結構的方式，即形成和弦並在該和弦結構內做一些有趣的事情（以上非和弦音）。這就是巴赫合唱中所說的蒸餾形式。

其他時代和類型的作品在對位上的負擔要小得多，例如一個簡單的莫扎特鋼琴作品或舒伯特歌曲伴奏可能會用左手強烈勾勒出該作品的和弦結構，演奏琶音或和弦的I和V。聽起來您最熟悉這種寫作方式（這在流行音樂中很常見）。

轉過來問“為什麼是和弦名稱，而不是和弦中音符的譜號，所以經常用於書面流行音樂和爵士樂，而不是古典音樂？”

例如，一個典型的業餘愛好者，圍著篝火的吉他手，不會閱讀音樂，但是如果您要求該人演奏“ C和弦”，他或她就會知道將手指放在哪裡。和弦名稱是傳達所需最少信息的最簡潔方法。

專業的爵士音樂家可能會使用一本假書，他知道許多不同的方法來彈奏由弦名稱指示的和弦，以及如何利用這些知識來即興演奏該和聲結構。對這個人來說，給出的和弦只是一個建議，而不是一成不變的。

古典音樂是針對/能夠流利閱讀樂譜的音樂家群體。通常還寫有這樣的想法，即將使用作曲家設想的確切的旋律線，和聲和樂器。由於所有音樂都經過解釋，因此它並不是100％的“一成不變”，但是作曲家有一個非常詳細的概念，需要一種更詳細的傳達方式。

和弦顯然是用過的；

但是除了Matt的出色回答外，另一個原因是，這種和弦標籤並不總是適合過去的音樂。巴赫的複音音樂的某些摘錄尤其不利於這種還原性分析。

此外，當今許多流行音樂都是基於和弦的，這意味著它更有利於這種標記

（如果今天寫的流行音樂像巴赫一樣複調，我很想知道他們是怎麼選擇的。）

在巴洛克時期記下和弦和倒立的方式就像低音一樣。由於該表示法是參考低音線的，並且由於諧波含量和反相的變化往往比當日和弦的變化快，並且要針對預期的反相進行更具體的標記，因此半即興伴奏的解釋更適合於鍵盤樂器，而不是吉他，這是今天和弦符號的主要目標。

隨著巴赫逐漸了解低音，因為他傾向於明確地拼出所有內容，而不是依靠鍵盤演奏者的即興演奏技巧。

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您已經收到了一些很好的答案，但是我想更具體地指出如何僅看和弦就無法充分描述如何演奏。

假設“古典”音樂是指所有音樂在20世紀的普通練習期間，和弦不足以完全描述音樂。人們可以在20世紀找到許多這樣的例子。 Ligeti的 Nouvelles Aventures 是一個很好的例子。