實際上，在我看來，用字母指定鑰匙而不是使用尖銳或平坦的佈置並不能簡化過程。簡單地用字母和偶然的字母來表示想要的琴鍵，就忽略了許多較不先進的音樂家為了理解活頁樂譜中所寫內容而需要知道的信息。我可以看一下密鑰簽名，甚至不用考慮密鑰的名稱就可以快速了解需要對哪些音符進行銳化或拼合處理，但是知道對哪些音符進行了銳化或扁平化可以告訴我密鑰的名稱，因此這是通常使用的方法識別鑰匙。否則，熟練程度較低的音樂家將需要查找給定琴鍵的尖銳和平坦部分，以便知道如何演奏。播放音樂時，讓我感到最重要的一點是，知道意外出現的地方，比實際知道按鍵本身的名稱更重要。謝謝你的提問。

由於某些原因，我認為它並沒有得到簡化：

第一：音樂記譜法是一種正統做法，為了全球共識，它一直在全球範圍內標準化。 Boethian符號（字母註釋A，B，C，D ...）最早是在6世紀發展起來的，但是今天我們所知道的主要簽名是在16世紀發展起來的。正如您所建議的那樣，音樂家本可以選擇使用Boethian表示法來代替在作品開始時的偶然性，但他們沒有。為什麼？我認為第二個理由證明了這一點。

第二個：當我們閱讀樂譜時，檢查五線譜行開頭的偶然性有時會很有幫助。我們可能真心知道E大調的鍵有4個意外，但是當我們一見鍾情時，我們還能以多快的速度記住順序（F＃，C＃，G＃，D＃）？有時，快速瀏覽人員線上的偶然事件可以幫助我們記住，掌握這些偶然線索會很有幫助。在我們必鬚髮信號通知自然事故然後又返回到尖銳/平坦等位置的彩色過往音符又如何呢？它不會變得令人困惑，尤其是在晚期浪漫主義時代嗎？因此，我認為這種表示法旨在促進音樂閱讀。

第三：調製方式如何？我們無法確定該音樂是E大調，但它很快可能會變成其相對（C＃小調）。肯定要成為E大調的音調可能會產生誤導。

這些只是建議，但我希望這是有道理的。

對於大約1700到2000左右創作的音樂，傳統的鍵簽名樣式幾乎接近最佳。在1700至1800年間（給或花費了幾十年的時間），傳統風格是使用比現在所要求的少銳利或平整的形狀。因此，巴赫的《多利安·賦格》確實是D小調，所有Bb都被無意中記下了。

Bartok嘗試使用混合的銳利器和扁平器標記東歐模式。通常，記住（通常是一次性的）鍵簽名並不比閱讀一些額外的偶然內容容易。

有幾篇文章建議在次要模式下使用兩個平面和一個鋒利的零件。但是，其他文章用傳統記法（使用相對專業的鍵簽名）和使用兩個單位和一個鋒利的字體（分別在步驟3,6和7上）計算所需的意外次數沒有太大差異。次要模式基本上是5個音符（步驟1,2,3,4,5正常，而步驟6和7是可變的），因此使用哪種記號似乎並不重要。升高的第六和第七步的數量與降低的第六和第七步的數量大致相同。由於許多樂曲（從1600年開始）確實從小調到相對大調，反之亦然，傳統記法（相對大調的關鍵特徵）總體上表現良好。

我認為基本的答案是，絕大多數古典音樂使用的音符超出了全音階範圍，即使在當今的流行音樂中，音符仍然很常見。

因此，如果您再用D大調的鍵演奏，並且有C-自然的，你需要用自然的符號寫C♮。如果這種情況持續了數次（有時是臨時調製），則在每個職員系統的開頭都提示您：“哦，是的，C♯仍然是默認值。”越來越多的彩色音樂，很難記住鍵簽名中“默認”的尖銳和平坦的內容，因此定期提醒會有​​所幫助。

即使您在一個鍵，對於音樂初學者來說，這種符號可能更難理解，因為他們可能無法在每一行上標註的尖銳和平坦的地方與樂曲的鍵之間建立直接聯繫。這在較小的情況下尤其成問題，因為第6和第7比例度也趨於四處移動並且可能包含各種意外情況。音樂初學者通常會被教導有關“自然小調”，“旋律小調”和“和聲小調”的知識，但是實際的小調關鍵音樂往往會在第6和第7度使用很多偶然性。同樣，在視覺上提醒每位員工接受的默認值可能會有所幫助。

通常，從視覺上看，在實際發生的線條和空間上的那些尖銳或平坦的地方（有時可能是被自然取消或因其他意外而增加）。實際上，甚至在18世紀（及以後），有時仍會接受這種做法，即在工作人員的每個位置上都包括那些重要的標誌性尖銳和平坦的東西，例如，在D大調的D大調中譜號可能會在工作人員的頂行和底部空間標記F♯。從這個意義上講，現代符號已經簡化了密鑰簽名符號。

（就像歷史記錄一樣，以前的做法的部分原因是，譜號直到十七世紀的某個時候才特別固定在工作人員的位置上。譜號上下移動很常見。行或更多行，甚至是同一段中的多次行進。演奏者閱讀樂譜需要能夠立即在樂譜的每一行上將自己重新定向到譜號所在的位置，並因此調整到音符所在的位置。每個工作人員線或空間也有助於定位每個工作人員線。我們已經放棄了當時需要的其他一些符號操作，例如 custos ，它通常看起來像選中標記，並出現在每個職員系統的末尾，以告知演奏者哪個音符是下一個系統開始時的第一個音符；同樣，在譜號可以自由移動的時候，需要此音符，並且演奏者需要立即知道怎麼不

所有這些都表明，現代實踐是不一致的。有時，諸如偽造的書頁封面之類的東西會省去在每一行上寫密鑰簽名的做法，而只是在開始時就給它一次。 （除了第一行，他們通常也忽略譜號。）

這實際上取決於您具有多少一致性。我同意，在一部保持全音調的音樂中，只有一個鍵，我可以輕鬆地在最上面寫上“ D major”，並且一切都應該清楚。但是，發生的色差，鍵更改等越多，直觀提醒用戶當前默認的銳利度和平坦度越有用。

在另一個極端，許多20世紀作曲家開始寫出高度色彩和無調的音樂時，有時會完全放棄關鍵簽名，而不是只在發生任何偶然事件時才注意它們。我想，如果您真的想簡化音樂符號，那 練習實際上將是最有用的-任何偶然的音符都被認為是自然的，並且當出現尖銳或平坦時，必須將其寫成在每個音符之前。這將使音樂符號更適合初學者使用，並且在全音階，高半音甚至無音調的音樂風格之間保持一致。但是，與目前在每個系統上放置密鑰簽名的當前做法相比，這種做法將需要更多的標記銳角和扁平，因此不太可能很快被採用。

實際上，對於您的4個急刀示例來說，關鍵不一定是E大調。可以是C♯小調，也可以是其他任何模式。

鍵簽名實際上並沒有指定樂曲的音調中心。它們只是定義了一組七個音高等級，不會偶然地被寫。我沒有證據表明這是歷史上他們從未簡化過的原因，但是如果我現在不得不反對在密鑰簽名中指定音調中心，這就是我要寫的。

最好保留鍵簽名，因為音調中心通常是模棱兩可或定義不清，並且指定一組基本的全音階音符比嘗試定義音樂的主觀音調中心要有效得多。

唯一的真正原因是“會議改變得很慢，如果它改變了”。

例如，考慮一下時間簽名的缺陷有多嚴重：時間簽名會誤導初學者（6 / 8通常在一個小節中有兩個節拍，而不是六個節拍，並且在許多情況下基本上是模棱兩可的（7/8可以是以任意多頭和空頭的順序排列的兩個或三個節拍）。對於這兩個問題，都有眾所周知的解決方案，它們已經在廣泛發行的音樂中使用（2 /♩。和3 + 2 + 2 /♪）。儘管如此，6/8和7/8仍然是標準，因為儘管存在缺陷，但它們大多數都能工作。您只需要告訴學生一次，“不，對不起，6/8是兩個點綴的小鉤拍”。

密鑰簽名非常容易閱讀，而且非常靈活（正如您所說，很少使用註釋非常規密鑰簽名的自由，但是使用了）。它們的書寫效率可能略低，但是其缺陷不足以使人們擺脫習慣於閱讀的觀念。鑑於時間簽名的發展緩慢，這並不奇怪，密鑰簽名符號也相對靜止。

也許寫“ A-flat”的更好選擇是“ 4 flats”，這一點是至少在音樂歷史上很長一段時間內，4-flats始終意味著B-flat，E-flat， A-flat，D-flat。因此，當您查看密鑰簽名時，您只會看到有4個單位，實際上並不需要查看指示的行和空格，因為它們始終相同。但是，4-flat不一定表示A-flat大調，它可能表示f-minor，因此這就是為什麼比“ A-flat”更喜歡“ 4 Flats”的原因。這裡的問題是-在過去的幾個世紀中，當4個單位總是總是意味著相同的4個音符被扁平化時，為什麼不採用僅說'4個單位'的慣例-如果沒有的話，這將為作曲家和抄寫員帶來便利特別是對於表演者。我在上面同意彼得·史密斯的觀點，也許答案僅僅是保守主義。採用不同符號的優點並不是很大，每個人都習慣了現有系統。

正如您在問題中所建議的，原因是歷史性的。很久以前，唯一的“鑰匙簽名”是一個公寓。那是在中世紀的模態系統中。隨著和聲發展為主要/次要係統，“鍵”和鍵簽名的概念也隨之發展。

顯然，當和聲全音階時，鍵簽名的作用最為明顯。音樂越變幻，需要更多的偶然性和/或密鑰簽名更改。進入現代和諧狀態後，有些音樂只是取消了鍵簽名，並且所有樂曲和樂曲都被寫入樂譜中。

...我的問題是：為什麼鍵簽名符號從未簡化過？例如，只寫«A♭»而不是四個單位？

所以，這個...

...與此相反...

這解決了什麼問題？

似乎只能將一個“問題”換成另一個。

寫 Ab 告訴我補品，所以我不必懷疑四個單位的音調是否意味著 Ab 大調， F 小調， Bb Dorian等。但這並不能告訴我獲得平坦感的特定音調（Bb，Eb，Ab，Db 。）

在工作人員的四個單元上寫上鑰匙簽名可以告訴我們具體的音調，但是並不能告訴我們進補。

...很少使用非常規的密鑰簽名

好吧，如果非常規的密鑰簽名不會經常使用。但是有時您可以看到它們，例如 Freygish 刻度...

原因鍵簽名仍然被使用，很多音樂從根本上仍然是全音階的，通常遇到的色差對系統沒有太大的壓力。

讓我們假設符號已經在過去的某個時候發生了變化。但是到那時，已經有100％的活頁樂譜仍舊使用舊記法。因此，無論如何，音樂家也將不得不學習舊的表示法。甚至幾十年或幾個世紀之後，在完全替換舊表之前，人們將不得不學習和使用這兩種表示法。